viernes, 12 de julio de 2024

Festival de Ballet en Baviera

 La semana del festival del Ballet Estatal de Baviera se celebró del 12 al 20 de abril en el Teatro de la Ópera Estatal de Baviera de Munich. El Ballet FestWoche es el punto culminante de la temporada de primavera. Este evento, fundado en el año 1960, se ha convertido en una tradición muy arraigada en la capital alemana. Además de los aspectos más destacados del repertorio actual, muestra nuevas producciones y atrae a solistas de todo el mundo a Munich.

 

  Cristina Ribé

     

La Premiere del festival se inauguró el 12 de abril con tres interesantes producciones de famosos coreógrafos de corte contemporáneo: Duato/  Skeels/ Eyal, interpretadas por el Ballet Estatal de Baviera.


Autodanza de Sharon Eyal se vió por primera vez en Munich, es el segundo trabajo de la coreógrafa nacida en Israel y su socio artístico Gai Behar. Con el prefijo griego auto, Eyal se refiere a una danza que extrae su energía de sí misma y nos recuerda noches excesivas y armonías sobrenaturales.


Nacho Duato creó Tinieblas blancas para la Compañía Nacional de Danza de Madrid; el detonante fue la  muerte de una de sus hermanas, trata sobre el efecto fatal de los estupefacientes y fue interpretada por primera vez por el Ballet Estatal de Baviera.


Andrew Skeels celebró su debut con el Staatballet creando un ballet para el conjunto. Su lenguaje coreográfico se caracteriza por una estética cinematográfica llena de velocidad y deseo de riesgo. La base de esta obra es un escenario de ciencia ficción.  Miles de años en el futuro se ha desarrollado una nueva especie humana en un proceso evolutivo. Extraños rituales, cambios radicales de estilo de vida… todo es en vano, no podrán sobrevivir al cambio climático que ha destrozado la tierra… 


 

Sábado 13 de abril de 2024  

 

Onegin

Coreografía: John Cranko

Música: Pjotr I. Tschaikovski

Ballet estatal de Baviera

Teatro de la Ópera Estatal de Baviera


Jinhao Zhang y Maria Baranova
Foto : Sergei Gherciu

Considerada la máxima creación del sudafricano John Cranko que murió en 1973 a los 45 años. Desarrolló su carrera al frente del Ballet de Stuttgart donde estrenó Onegin en 1965. Está basada en la novela en verso de Aleksandr Pushkin  (Eugene Onegin) que se estrenó como ópera en 1879, con música compuesta por P.I. Tschaikovski.


  La producción forma parte del Ballet Estatal de Baviera desde 1972. La historia de la joven Tatiana (Maria Baranova) que se enamora de un arrogante Onegin (Jinhao Zhang) y es cruelmente rechazada por él sigue fascinando al público. Muchos de los grandes bailarines han dado a los papeles su propio carácter distintivo. Como casi ningún otro ballet narrativo, los distintos personajes abren una amplia gama de opciones para el diseño de roles, Tatiana , por ejemplo, pasa a lo largo de dos horas y media de una velada, de una adolescente ingenua y soñadora, a una mujer madura que finalmente tiene que tomar una decisión entre la pasión y el deber  en un dramático enfrentamiento con el que fue y es el auténtico amor de su vida.  Por el contrario, el Onegin orgulloso de sí mismo en el inicio de la obra, se derrumba gradualmente y queda en una situación desesperada y solitaria.

    Hay algo que hace especial a esta magnífica obra de arte, además de la música de Tschaikovski, es la historia que yace detrás, algo que en otros ballets resulta más anecdótico. Cranko trasladó con mano maestra el libro de Pushkin al ballet y lo hizo entendiendo la estupidez de la muerte de Lenski, el amigo de Onegin, el dolor del fin de la inocencia de Tatiana y la desgana de vivir del protagonista.

    Yonah Acosta magistralmente masculino y poderoso en su debut como Lenski, su novia Olga, Bianca Teixeira, muy enérgica en su debut en el papel, Maria Baranova (Tatiana) eleva su nivel actoral al final de la obra junto a Jinhao Zhang (Onegin). Ella lucha con el dolor del amor que una vez no se cumplió, pero luego recupera la compostura y le rechaza…. Demasiado tarde para una segunda oportunidad

 

Jueves 18 de abril de 2024

 

TSCHAIKOWSKI OVERTURES

Coreografía: Alexei Ratmanski

Música: Pjotr I. Tschaikowski

Ballet Estatal de Baviera

Teatro de la Ópera Estatal de Baviera

 

 Para este ballet, el coreógrafo escogió oberturas que Tschaikowski había creado en varias etapas de su vida para diferentes conciertos. En cuanto al contenido, estos trabajos musicales están basados en dramas de William Shakespeare: Hamlet, La Tempestad Romeo y Julieta.  Ratmanski no crea claramente un ballet original completo, el tema central de estas obras aparece en la estructura coreográfica, es decir, la base de la misma es original de Shakespeare, y el coreógrafo transforma esa primera idea en una composición de danza extraordinaria llena de personalidad y sutileza.

Tradicionalmente las oberturas se desarrollan al principio de las óperas o los ballets para dar una idea al espectador de la obra que va a presenciar. En Tschaikowski Overtures, sin embargo, una obertura sigue a la otra, están encadenadas…

La fuerza, la belleza y la magnífica técnica de los bailarines de esta compañía empujan al ballet clásico y neoclásico a un futuro esperanzador.

Shale Wagman, Osiel Gouneo, Antonio Casalinho y Yonah Acosta alcanzan un virtuosismo deslumbrante, con sus saltos descomunales dejan al espectador sin aliento y se llega a la conclusión de que es imposible mejorarlos.

Mención especial a Maria Baranova y Julian Mackay en Romeo y Julieta, forman una pareja artística rebosante de encanto, inspiración y ligereza.

Resultó una velada realmente fascinante y el público lo demostró regalando largos aplausos a los bailarines y a la magnífica orquesta del teatro.

 

 

 

Viernes 19 de abril de 2024

 

LE PARC

 

Coreografía: Angelin Preljocaj

 

Ballet Estatal de Baviera

Teatro de la Ópera de Baviera

 

Legendario ballet de Preljocaj comisionado por la Ópera de París y estrenado en 1994 en la Ópera de la Bastilla.

Inspirado por la música inmortal de Mozart, el coreógrafo explora en Le Parc las sutilezas de los códigos de seducción en un idílico jardín francés como paisaje escénico. El vestuario está influenciado por la época de la Ilustración y los solistas se deslizan voluptuosamente por el escenario de este universo de contrastes, entre la naturaleza clásica de la música y el carácter francamente moderno de la coreografía.

Cada uno de los tres actos se inicia con una escena con cuatro jardineros. Pertenecen a un periodo indeterminado y aparecen, no sólo para guardar el secreto del lugar sino también de todo lo que allí acontece.

Las jóvenes del cuerpo de baile, ataviadas con levitas y pantalones ejecutan brillantes saltos mientras los hombres, vestidos de negro y rojo burdeos hacen lo propio. La gente se acerca, juega, baila entre sí y luego se separa de nuevo. Vemos una sociedad sin preocupaciones y llena de aburrimiento. Para ellos la única distracción es el juego erótico.


Julian MacKay (solista) y Madison Young (solista), tienen su primer contacto visual en el primer acto, todo resulta discreto. En el segundo acto la atracción aumenta y en el tercero los dos se dejan llevar por su instinto. Al final, durante el gran beso en el pas de deux ambos amantes, vestidos con sendas blusas blancas holgadas, bailan descalzos como símbolo de sus sentimientos originales, el uno por el otro.

Julian MacKay actúa de manera extremadamente lírica y delicada, así como apasionada y enérgica. Madison Young, por otro lado, brilla con devoción como una joven amante, su gentileza es sencillamente insuperable. Su devoción hacia él es clara y absoluta, es, sin lugar a duda, el momento más bello y sensible de la obra ,estética y sensualmente hablando.

 

 Sábado 20 de abril de 2024


LA BAYADÈRE

Coreografía: Patrice Bart, Marius Petipa

Música:Ludwig Minkus

Ballet Estatal de Baviera

Teatro de la Ópera Estatal de Baviera

 

La variación de Las Sombras (Foto: Sergei Gherciu


Uno de los encargados de escribir el libreto de esta obra, Marius Petipa, concibió La Bayadera a partir de relatos de viajeros y fábulas que alimentaban la fascinación de los románticos por el lejano Oriente. Inspirado en dos dramas escritos por el poeta indio Kalidasa, quien vivió en el siglo VI y de cuya vida sólo existen leyendas, Petipa creó la historia de amor prohibido entre la desdichada Nikiya y su amante Solor. La particularidad de este ballet reside en la combinación de los pasos clásicos de ballet y su esencia hindú. En Europa se conocía poco de la cultura oriental y aunque estaba muy idealizada por los románticos de la época, Petipa estuvo más de seis meses creando la pieza. La obra fue musicalizada por Ludwig Minkus.


 La coreografía de esta obra ha sido reinterpretada en varias ocasiones desde su estreno en el Teatro Bolshói Kámenny  de San Petersburgo el 23 de enero de 1877. La versión más famosa es la que realizó Rudolf Nureyev en el escenario del Teatro de la Ópera de París.


Esta obra nos presenta la historia de Nikiya, bayadera de la India( bailarina consagrada a la danza por la religión)  enamorada de un príncipe ( Solor) quien debe casarse con la hija del rajá gobernante. Pero el gran sacerdote de la religión brahmánica también desea a Nikiya.  Gamzatti, la malvada hija del rajá, poseída por los celos, no dudará en hacer morir a Nikya mordida por una pequeña pero venenosa serpiente. Esto ocurre en la vida real. En el segundo acto viene un elemento romántico, cuándo la bayadera, ya muerta, aparece en el más allá irreal, en el reino de las sombras.


Exclusiva y notable escena la del segundo acto,  El Reino de las Sombras, consta de una sencilla y repetitiva coreografía a base de arabesques encadenados realizados por las bailarinas del cuerpo de baile (son las bailarinas del templo transformadas en espíritus), Ellas van descendiendo por una rampa apenas iluminada que nos transporta a un ambiente fantástico lleno de ensoñación y penumbra. La escena carece de cualquier acción dramática, se trata de una composición sublime por la belleza y paz que transmite.


Respecto a los solistas, la frágil Ksenia Shevtsova (Nikiya) destacó más por su técnica que por su viveza y pasión mientras que la interpretación de Laurretta Summerscales,(Gamzatti), la celosa hija del rajá, es digna de mención. Sus dotes actorales brillaron durante toda la obra, con más mérito, si cabe, teniendo en cuenta que era su debut en este rol. Cabe citar también la actuación de Osiel Gouneo (Solor) su emoción y magnífica técnica destacaron durante toda la velada.

 

   Un año más la BalletFestWoche llega a su fin con la satisfacción de haber conseguido llegar a la cima de la perfección en todas y cada una de las producciones seleccionadas para éste magnífico evento. 

 

 

 

 

 


 

 

                                  

 

viernes, 15 de diciembre de 2023

Reencuentro de Joaquín de Luz con La Sylphide


El director artístico de la CND con Hamin Park en el Teatro de la Zarzuela (Foto: Alba Muriel)

Joaquín de Luz, director artístico de la Compañía Nacional de Danza, bailó un único día el papel principal de La Sylphide, estrenada el pasado día 11 en el Teatro de la Zarzuela de Madrid. Lo hizo fundamentalmente para darle la alternativa a una joven promesa de la danza, Hamin Park, que nació seis años después de que él interpretase por primera vez el papel de James.

Lola Ramírez

Desde esa primera vez en la que Joaquín de Luz, entonces un joven de 22 años, dejó por exigencias del guión a su novia escocesa por una etérea Sylphide, han pasado unos cuantos años. En el escenario del Teatro de la Zarzuela la pareja formada por el director artístico de la CND y la jovencísima Hamin Park, no se percibe la diferencia de edad entre ambos bailarines, quizás porque la delicadeza y virtuosidad de ella se funde con la veteranía de él y el público se deja embrujar tanto como los personajes del ballet de August Bournonville.

Hamin Park en una de sus variaciones (Foto: A.M)

De Luz lo había dicho en la rueda de prensa previa al estreno que tuvo lugar el pasado día 11. "Sólo voy a bailar un día. Me hace mucha ilusión porque la bailarina que interpreta ese día el papel de la Sylphide es una maravilla". Decía además, que quería darle la alternativa a esta joven solista. Y eso fue lo que hizo; en las primeras variaciones James/Joaquín es un enamorado dispuesto a que el objeto de su amor brille en todo su esplendor. Sucede que Hamin Park danza como si realmente fuera un espíritu etéreo, tiene esa cualidad inherente a las bailarinas que rozan la excelencia y que en vez de bailar parece que vuelan. Por algo en 2021 obtuvo el primer premio  del Youth America Grand Prix-Classical Pas de Deux.

Su veterano compañero en la ficción y jefe en la realidad colaboró intensamente para que la Sylphide Hamin dejara ver su virtuosa técnica. Avanzada ya la primera parte el público pudo disfrutar también del propio virtuosismo de De Luz quien, a pesar de que en un tiempo no muy lejano iniciará su quinta década de vida, tiene un salto impresionante y una limpieza en su ejecución, propia del gran bailarín solista y principal que fue en  compañías como el American Ballet Theatre o el New York City Ballet.

La Sylphide es además un ballet coral, en el que no solo lucen los principales sino también un cuerpo de baile muy bien armado. Destaca como solista por su elaborada y acertada pantomima, Irene Ureña en el papel de la bruja Madge, quien despechada por el rechazo de James, trama una cruel venganza contra él, que salpica a todos los implicados en el triángulo amoroso formado por el propio James, la Sylphide y Effi (Ana Calderón), la novia abandonada. 

Joaquin de Luz, Ana Calderón e Irene Ureña (Foto: A.M)

Considerado el ballet más antiguo del periodo romántico que aún se mantiene activo en el repertorio internacional, la Sylphide es, argumentalmente, un dramón con trágico final. Vale la pena llorar un poco, ya que además de la buena 
interpretación de todo el conjunto, tiene un precioso vestuario diseñado por Tania Bakunova. La diseñadora rusa afincada en Madrid desde 2013 ha elaborado trabajos de creación, diseño y confección de vestuario en numerosas producciones de diferentes teatros de Moscú, entre ellos el Teatro Bolshoi y el Teatro Stanislavski.

Cabe destacar también la interpretación musical de la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (Orcam), cuya dirección musical en esta producción corre a cargo de Daniel Capps y Tara Simoncic. Capps fue nombrado director residente del New York City Ballet en marzo de 2012 y en los últimos años ha debutado con el Ballet de Zurich, The Australian Ballet y la Compañía Nacional de Danza. En cuanto a Tara Simoncic está considerada una de las directoras más solicitadas del mundo. En marzo de 2022, hizo historia como la primera mujer en dirigir al American Ballet Theatre en su emocionante producción de Don Quijote.

Posado de parte del elenco con Joaquin y Hamin en el centro (Foto: A.M.)

jueves, 30 de noviembre de 2023

La Sylphide vuelve a casa por Navidad

 

J. de Luz entre Petrusjka Broholm e Isamay Benavente (Foto: LR.)


En una entretenida e ilustrativa velada en el Teatro de la Zarzuela, el director artístico de la Compañía Nacional de Danza, Joaquín de Luz, presentó este jueves el último montaje de la CND. El ballet de La Sylphide podrá verse en este teatro del 7 al 17 de diciembre. De Luz bailará un único día, el miércoles 13, y tendrá como pareja a Hamin Park una jovencísima bailarina que nació cinco años después de que él interpretara por primera vez el rol principal de La Sylphide.

Lola Ramírez

Acompañaban a Joaquín de Luz,  la directora del Teatro de la Zarzuela, Isamay Benavente y, la reputada maestra de ballet danesa Petrusjka Broholm. Con un extraordinario currículo como bailarina y maestra de danza, Broholm, viva imagen de la elegancia y la sencillez explicó no solo en un perfecto inglés ( ágilmente traducido por Joaquín de Luz) sino también en una expresiva y rápida clase de danza, la complicada técnica de Bournonville. 

Para la puesta en escena del icónico ballet, además de la experimentada maestra, la producción está avalada por profesionales tan conocidos como Elisa Sanz en la escenografía, Tania Bakunova en el diseño de vestuario y Nicolás Fischtel en el diseño de iluminación.

La música de Herman Severin será interpretada en directo por la ORCAM, orquesta titular del Teatro de la Zarzuela bajo la dirección de los maestros Daniel Capps y Tara Simoncic.

Petrusjka explicando la técnica Bournonville (Foto: L.R.)


"La Sylphide es uno de los pocos ballets cuya principal protagonista es irreal y que tiene un final dramático", explicó Joaquín de Luz, después de afirmar que a pesar de poseer un triste epílogo se siente "ilusionadísimo" con esta producción. 

Seis elencos de bailarines serán  los encargados de llevar al escenario del Teatro de la Zarzuela entre el 7 y el 17 de diciembre la historia de amor imposible de James y la Sylphide, una historia de amor protagonizada según relata el director de la CND por un curioso trío: "James, su novia Effie y la etérea Sylphide"; y, una cuarta en discordia "la malvada Madge". El elenco del estreno contará para los roles principales con la  bailarina estadounidense Yaman Kelement y el italiano Thomas Giugovaz, ambos solistas de la CND desde septiembre de 2022.

Joaquín de Luz solo bailará el 13 de diciembre, "tendré el placer de compartir escenario con una jovencísima Sylphide, Hamin Park", De Luz está convencido de que la virtuosa y joven bailarina surcoreana tiene por delante una prometedora carrera. "Cinco años antes de que ella naciera interpretaba yo por primera vez el papel de James en La Sylphide", comentó el director artístico de la CND.

¿Y después de La Sylphide qué? El director artístico de la CND quiere dejar a la compañía preparada para interpretar otro bello drama de la danza clásica: Romeo y Julieta. Él cumplirá en 2024 cinco años en la formación nacional y a la pregunta de si desea que le renueven por tres años más responde a la catalana: "Ja veurem".


lunes, 6 de noviembre de 2023

El Ballet Don Quijote, en directo desde la Royal Opera House de Londres

Mayara Magri y Alexander Campbell (Foto: Andrej Uspenski)


El martes 7 de noviembre, a las 20:15 horas, regresa el ballet Don Quijote al teatro y a la gran pantalla en directo desde la Royal Opera House de Londres. Interpretada por el Royal Ballet, la emisión, vía satélite desde el Covent Garden londinense, llegará a más de 100 salas de cine  de 88 localidades de España , y a más de 2.000 del mundo. 

Esta producción de Carlos Acosta está interpretada en sus papeles principales por los bailarines Mayara Magri, como Kitri, y Matthew Ball como Basilio. Don Quijote es una demostración perfecta del increíble talento de la Compañía. Lleno de ingenio y brío, este exuberante ballet, de casi tres horas de duración (con dos intermedios), ofrecerá algunos de los momentos más alegres de la temporada.

El calor y el romance de la novela clásica de Cervantes cobran vida en esta brillante producción del bailarín Carlos Acosta, basada en la coreografía de Marius Petipa, y creada hace una década para el Royal Ballet. 

Con su mezcla de comedia e ingenio, y una coreografía rebosante de audacia, transporta a la España del siglo XVII con los extraordinarios diseños de Tim Hatley y la atmosférica iluminación de Hugh Vanstone. Todo ello ambientado con los arreglos y la orquestación de Martin Yates de la deliciosamente animada partitura de Ludwig Minkus, que da dinamismo a este enérgico ballet del siglo XIX. La emisión se distribuye en España a través de Versión Digital.

BALLET EN TRES ACTOS

Producción y coreografía CARLOS ACOSTA a partir de MARIUS PETIPA
Música LUDWIG MINKUS
Arreglada y orquestada por MARTIN YATES Escenografía TIM HATLEY

Diseño de iluminación HUGH VANSTONE

Puesta en escena CHRISTOPHER SAUNDERS Repetidores Sénior GARY AVIS, SAMANTHA RAINE Repetidoras HELEN CRAWFORD, SIAN MURPHY Preparadores principales ALEXANDER AGADZHANOV, OLGA EVREINOFF

Director musical VALERY OVSYANIKOV

ORQUESTA DE LA ROYAL OPERA HOUSE
Principal Concertino Invitado por acuerdo con Trittico VASKO VASSILEV

Dirigido para la gran pantalla por ROSS MACGIBBON

DURACIONES APROXIMADAS

INTRODUCCIÓN A LA REPRESENTACIÓN 15 minutos ACTO I 50 minutos
INTERMEDIO 25 minutos
ACTO II 35 minutos

INTERMEDIO 25 minutos
ACTO III 35 minutos
SALUDOS FINALES 10 minutos

REPARTO

Don Quijote GARY AVIS

Sancho Panza LIAM BOSWELL Su escudero

Lorenzo THOMAS WHITEHEAD El posadero

Kitri MAYARA MAGRI Su hija

Basilio MATTHEW BALL Un joven barbero

Gamache JAMES HAY Un noble rico

Espada CALVIN RICHARDSON Un famoso torero

Mercedes LETICIA DIAS Una bailarina callejera

Amigas de Kitri SAE MAEDA, SOPHIE ALLNATT

Pareja de gitanos HANNAH GRENNELL, VALENTINO ZUCCHETTI

La reina de las dríadas ANNETTE BUVOLI Amor ISABELLA GASPARINI

lunes, 22 de mayo de 2023

La Bella Durmiente en directo en 120 salas de cine españolas



Será este miércoles, 24 de mayo, cuando los espectadores de 120 salas de cine españolas podrán ver en riguroso directo al Royal Ballet interpretando en el majestuoso Covent Garden de Londres, el ballet clásico La Bella Durmiente.

 

Lola Ramírez

La producción emblemática del Royal Ballet, La Bella Durmiente, llega a la gran pantalla este miércoles, 24 de mayo. Será en riguroso directo desde la Royal Opera, en el Covent Graden londinense. Vía satélite, a las 20:15 horas, hora peninsular. En España se podrá ver en120 cines de más de 90 localidades. También llegará a más de 1.300 cines de 43 países.


Fumi Kaneko como Princess Aurora (Foto: Helen Maybanks)


 

La Bella Durmiente ocupa un puesto de honor en el corazón y la historia del Royal Ballet: fue la primera representación de la compañía cuando la Royal Opera House volvió a abrir en 1946 tras la Segunda Guerra Mundial. En una declaración célebre, Frederick Ashton citó el clasicismo puro del ballet de el coreógrafo Marius Petipa del siglo XIX como una primera lección de arte atmosférico y destreza coreógráfica.

El ballet de tres actos, con la magnífica música de Tchaikovsky, fue completamente restaurado en 2006 por Monica Mason y Christopher Newton, basada en la producción de Ninette de Valois y Nicholas Sergeyev, e incorporando los diseños originales de Oliver Messel. Cuenta con la coreografía adicional de Frederick Ashton, Anthony Dowell y Christopher Wheeldon. Una verdadera joya del repertorio clásico de ballet, llena de secuencias virtuosas que presentan desafíos únicos incluso para los bailarines más experimentados.

El ballet tiene una duración aproximada de 3 horas y 25 minutos, incluidos 2 intermedios. La emisión incluye imágenes exclusivas entre bastidores, entrevistas a los protagonistas e información sobre el proceso de ensayo. En España se distribuye gracias a Versión Digital.


La historia de La Bella Durmiente, en la que una princesa es maldecida a dormir durante cien años hasta que es despertada por el beso de un atractivo príncipe, ha cautivado al público de todo el mundo durante más de un siglo. La producción del Royal Ballet no decepcionará, con un vestuario impresionante, un escenario majestuoso y una interpretación asombrosa por parte de algunos de los mejores bailarines del mundo.


Esta producción del legendario ballet clásico es una oportunidad única de ver en directo uno de los ballets mas admirados.


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 THE ROYAL BALLET

LA BELLA DURMIENTE

Coreografía: Marius Petipa

Coreografía adicional: Frederick Ashton, Anthony Dowell y Christopher Wheeldon

Producción: Monica Mason y Christopher Newton según Ninette de Valois y Nicholas Sergeyev

Música: Piotr ll'yich Chaikovski

Diseños originales: Oliver Messel

Diseños adicionales: Peter Farmer

Diseño de iluminación: Mark Jonathan

Director de orquesta: Koen Kessels

Orquesta de la Royal Opera House

Sinfonía del Royal Ballet

domingo, 23 de abril de 2023

Exposición fotográfica en Terrasa

Coincidiendo con la actuación del Ballet Nacional de Cuba en LaFact  (Factoría Cultural de Terrassa), el FotoClub Terrassa organiza la exposición “Ballet Nacional de Cuba” cuyos autores son Josep Guindo y la fotoperiodista cubana Yailín Alfaro. Se presentarán 16 fotografías de Alicia Alonso y primeras figuras de la compañía, realizadas tanto en sus actuaciones en directo como en el backstage. La exposición se inaugurará el próximo sábado 29 de abril a las 19 horas y podrá verse hasta el 2 de junio.


Cristina Ribé

 


Josep Guindo Soldevila (Terrassa, 1958).


Cardiólogo de la Unidad de Cardiología Intervencionista del Hospital Parc Taulí de Sabadell. Director de la revista Cardiología y Atención Primaria. Es autor de 6 libros y más de 300 artículos publicados en revistas nacionales e internacionales.

Vicepresidente de FotoClub Terrassa desde 2012 hasta la fecha.

Presidente de la Agrupación Fotográfica de Catalunya (2017-2021)

En 2021 el Concurso internacional de Fotografïa de Danza Alicia Alonso le otorgó el “Lifetime Achievement Award” por su contribución a la danza cubana.

Extraordinario fotógrafo especializado en danza, con gran capacidad para captar el sentido y la sensibilidad del bailarín, sabe transmitir la emoción del instante y captar el momento decisivo del movimiento.

Ha realizado una labor extensa en Cuba durante varios años, asistiendo a los Festivales de Ballet que allí se organizan cada dos años y apoyando a la compañía cuando viajaban a España para actuar en diferentes ciudades del país. 

 

 

 

Yailín Alfaro Guillen  (La Habana, 1983)


Yailín Alfaro

Graduada en 2009 como diseñadora informacional en el Instituto Superior de Diseño de la Habana. Tiene experiencia laboral en diseño editorial, de identidad corporativa y en campañas publicitarias para instituciones como el Ballet Nacional de Cuba y el Circo Nacional de Cuba. 

Su obra ha trascendido las fronteras nacionales para insertarse en exposiciones personales en Servia, Chipre, Italia y España y colectivas en Estados Unidos.

Fotógrafa y diseñadora editorial en la revista cubana Opciones durante 13 años, y en el canal Cubavisión Internacional durante 5 años como foto fija de la división de programas musicales.

Actualmente reside en Barcelona donde cursa un post grado de fotografía en iluminación para plató en IDEP. 


La exposición de fotografías de Josep Guindo y Yailín Alfaro podrá verse en LaFact, Rambla d´Egara 340, Terrassa, desde el próximo sábado 29 de abril a las 19 horas hasta el 2 de junio. 



 



sábado, 15 de abril de 2023

Balletwoche 2023 en Munich

 

Julian Mackay y Madison Young en Romeo y Julieta (Foto:Nicholas Mackay)

 A principios de abril, tradicionalmente, el Bayerisches Staatsballett organiza su Semana del Festival de Ballet, en esta ocasión bajo la nueva dirección de Laurent Hilaire.


Cristina Ribé

Fundado en 1960 por el entonces director artístico Heinz Rosen, el festival presenta las producciones estrella de la actual temporada en el magnífico Teatro Nacional de la ciudad alemana. Entre el 31 de marzo y el 8 de abril de 2023 se pudo asistir a la Premiere de Schmetterling (Mariposa) caracterizada por dos trabajos de los coreógrafos Sol León y Paul Lightfoot  (ligados profesionalmente durante años al Nederlands Dans Theater). Asimismo a ballets clásicos narrativos como Midsummer Night Dream (Sueño de una noche de verano), basado en la obra de William Shakespeare, con coreografía de John Neumaier y música de Felix Meldelssohn y Gyorgy Romeo y Julieta ,coreografía de John Cranko y música de Sergei Prokofjew,Cinderella (Cenicienta), coreografía de Christopher Wheeldon y música de Sergei Prokofjew . Así como producciones mucho más modernas como Passagen , tres piezas  con coreografías de David Dawson, Alexei Ratmansky y, Marco Goecke Tschaikowski-Ouverturen con coreografía de Alexei Ratmansky.

 

SCHMETTERLING (Mariposa)

Coreografía Sol León Paul Lightfoot

Compañía de Ballet del Teatro Estatal de Baviera.

La producción consta de dos partes, ambas muestran temas serios llenos de expresiones teatrales ligeras. 

El cine mudo, la oscuridad, la penumbra son fuentes de inspiración para el dúo León-Lightfoot. Ya sea en los gestos exagerados y expresiones faciales de los bailarines, ya sea en las secuencias cinematográficas que acompañan a esta primera parte, proyectadas en un ciclorama, el título…Pantalla Muda (Silent Screen). El viaje de una pareja comienza y termina con una vista del mar abierto. A partir de ese instante se nos aparece la locura de una relación absolutamente normal, con sus buenos y malos momentos, con sus más y sus menos… hasta que surge una dama desde el patio de butacas, de espaldas al mismo, caminando lentamente, llenando el espacio con esa vaporosa falda cuya tela cubre todo el escenario, con un movimiento intrínseco que cobra vida a cada paso que da, hasta cruzarlo y desaparecer.

La segunda parte, más relajada, representa el cambio y la fugacidad de la mariposa. Las músicas ayudan a hacer más ligera la coreografía y hacen hincapié en el choque de contrastes; jóvenes y viejos, rápido y lento, vida y muerte…

La actuación de los bailarines de la compañía resulta excelente e hizo vibrar al público que les ofreció una larga ovación de pie al finalizar su actuación. 

   ( fuente Johann Jahn)

 

          

Schmetterling (Foto:Wilfred Hösl)

                                                                              

 

MIDSUMMER NIGHT DREAM ( Sueño de una noche de verano)

Coreografía John Neumaier

Música Félix Meldenssohn Bartholdy y György Ligeti

Compañía de Ballet del Teatro Estatal de Baviera

El coreógrafo John Neumaier creó su versión del Sueño de una Noche de Verano en 1977, llevando la comedia de Shakespeare del mismo nombre al escenario del ballet.

Impresiona con su enfoque único, bien pensado y virtuoso del desarrollo del drama y la compleja mezcla de capas musicales. La partitura de Meldenssohn fija el mundo de los mortales, mientras que las piezas de Ligeti recuerdan el reino de las hadas.

En cuanto al escenario, Neumeier, junto a su diseñador de vestuario y escenógrafo Jüngen Rose, mezcla hábilmente los fondos históricos. Los olivos son un símbolo perfecto de la antigüedad, la mitología y los cuentos de hadas. El hermoso telón de fondo de Biedermaier se mezcla armoniosamente con los sonidos de la partitura de Mendelssohn.

Todo el elenco baila y actúa impecablemente, no en vano esta obra posee constantes momentos teatrales. El relato se centra en Oberón ( excelente Jinhao Zhang), y Titania (un ensueño Maria Baranova), pero también en Puck (Antonio Casalinho) quien  resalta sobremanera con sus rápidos giros, graciosos saltos y salerosos gestos hasta llegar hondamente al corazón de los espectadores.

Una maravillosa y complicada comedia que hizo las delicias del público asistente.

 

 

Romeo y Julieta. Compañía Ballet Estatal de Baviera. (Foto: Nicholas Mackay)

ROMEO Y JULIETA

Coreografía de John Cranko

Música de Sergej Prokofjew

Compañía de Ballet del Teatro Estatal de Baviera

 

Una historia de amor universal, plena de emoción y despliegue escénico.

Esta célebre versión de Romeo y Julieta es una pieza exigente por sus dificultades técnicas y un desafío de interpretación artística teatral.

Como ejemplo valga la escena de la lucha con espadas, un espectáculo en sí mismo, El manejo de las mismas representa un gran reto para los roles masculinos principales y para el cuerpo de baile. Gran tarea de agilidad, precisión y destreza.

En cuanto a Romeo (Julian Mackay) resulta muy efectivo en giros de velocidad y saltos elásticos. Sabe además realizar un trabajo de partenaire envidiable. Lleva, acompaña, levanta a la bailarina de una manera natural, el espectador no aprecia ni percibe esfuerzo alguno.

Julieta (Madison Young) sintoniza perfectamente con la inocencia de la niña-adolescente que representa. Aporta desde el inicio agilidad, armonía y frescura. 

Entre ambos existe una química intrínseca que llega hasta el público y le hace vibrar.

Durante el ballet se suceden escenas de grupo espectaculares, casi acrobáticas. Al numeroso cuerpo de baile de la compañía, en varios momentos puntuales, se le suma un grupo del Junior Ballett de la fundación Heinz Bosl.  Ello permite recrear mejor las escenas del pueblo, incluso a dos niveles, y su efecto visual es magnífico.

Tanto la escenografía como el vestuario ( Jüngen Rose) son bellísimos.

A través de la elegancia, la fuerza de las emociones y la combatividad, la tragedia de amor y muerte de dos jóvenes se nos presenta llena de expresividad y nos permite vivir una velada inolvidable.

 

jueves, 13 de abril de 2023

Matinee de la Fundacion Heinz Bosl en Munich

Divertimento Miembros de la Academia de Ballet de Munich, (Foto: Marie-Laure Briane

 Dentro del marco de la Semana del Ballet de Munich (Alemania), se celebró el domingo 2 de abril de 2023 en el Teatro Nacional de dicha ciudad la Matinee de la Fundación Heinz Bosl.

Cristina Ribé

Esta fundación fue creada en 1978 por Konstanze Vernon, primera bailarina y exdirectora del Ballet de Munich. Lleva el nombre de Heinz Bosl en memoria del que fue director artístico de la Ópera Estatal de Baviera, su pareja y mentor durante los 18 años que ella permaneció como primera bailarina en la compañía. Durante su activa y prolífica carrera, Vernon comenzó a dedicar su atención a la excelencia de la enseñanza de la danza. Impartió clases en la Universidad de Música de Munich y después aceptó un puesto como profesora al finalizar su carrera como intérprete. Tras la prematura pérdida de su compañero, Heinz Bosl, Vernon instauró una Fundación en su honor, sentando las bases para la remodelación de la educación de la danza en Baviera. Se realizaron cambios significativos con la introducción del sistema Vaganova y el nombramiento de varios maestros rusos.


 El número de estudiantes exitosos aumentó significativamente. Por primera vez, los estudiantes de una academia de Alemania Occidental ganaron títulos de oro, plata y bronce en prestigiosas competiciones de ballet en Moscú, Helsinki y Jackson (Mississipi). Cada vez más graduados firmaron contratos profesionales después 

de su educación en Munich.

Concertante. Junior Ballet de Munich. (Foto: MLB)


En 1988, el gobierno estatal de Baviera elegía a Vernon para la importante tarea de convertir el Ballet de la Opera en su propia compañía independiente: el Ballet Estatal de Baviera. Introdujo jóvenes talentos de la danza en ascenso al conjunto profesional y amplió el repertorio de Munich al agregar las obras maestras de los coreógrafos más distinguidos de Europa.

 Gracias a la valiosa aportación de Vernon, los jóvenes talentos tienen la oportunidad de desarrollar su arte y asimismo preservar el legado de la fundación.

  En 2010 la Fundación Heinz Bosl y la Academia de Ballet de la Universidad de Música de Munich se anexionaron para formar el Bavarian Junior Ballet Company.

Actualmente dirige la compañía el extraordinario exprimer bailarín y exdirector artístico del Ballet Estatal de Baviera, Ivan Liska.


 Dos veces al año, primavera y otoño, se organizan en el Teatro de la Opera sendas funciones matinales a fin de mostrar los logros excepcionales de los alumnos, y motivar su esfuerzo e ilusión.

En la ocasión que nos ocupa, el programa comenzó con una escena del ballet de la ópera Ruslan y Ludmila coreografía de Michel Fokin y música de Michail I. GlinkaEl divertimento popular de Fokin se convertía en un buen ejemplo de la perfecta ejecución de la técnica Vaganova por parte de los alumnos más pequeños de la Academia. Naturalidad ante el público y limpieza en pasos y movimiento, niños y niñas 

con base firme y futuro prometedor.

 Tanto en Concertante, coreografía de Hans Van Manen, música de Frank Martin segunda pieza presentada, como en Canciones de un caminante, última pieza del programa, coreografía de Jiri Kilian, música de Gustav Mahler,  el Junior Ballet de Munich ofrece una interpretación virtuosa, una técnica impecable, presentando al público un espectáculo de altísimo nivel, propio de bailarines de primer orden.

Sorprendente asistir a una representación de tanta calidad tratándose de una muestra de final de curso para familiares y amigos de los participantes.

 

miércoles, 8 de febrero de 2023

Belém Tajes: “Si eres mujer y cantante la cosa se complica”

Foto: F. Liz
Belém Tajes en Santa Cruz    (Foto: F. Liz)

La cantante que actuará el próximo sábado, 11 de febrero, en la sala Guión Club de Pontedeume (A Coruña) es una gallega nacida en Buenos Aires. Se hizo famosa cuando fue vocalista de Luar na lubre. Ahora canta por libre con su original banda: un guitarrista y un violinista que toca el bajo pedal. Todo un espectáculo. 

Lola Ramírez 

 Me atrevo a decir que todo el que la vio actuar hace unos días en La Tenencia de Redes (A Coruña) se ha prometido a sí mismo volver a verla en la primera ocasión que surja. El próximo sábado 11 de febrero a las 13.30 Belem Tajes y su banda ofrecen una sesión-vermú en la sala Guion Club de la bella villa de Pontedeume. 

 - ¿Qué nos vas a ofrecer? 
- Más o menos lo del otro día, pero como llevo banda suena un poco mejor. Hay un par de temas míos, un tango, una chacarera, un tema nuevo y alguna cosa más; un poco en castellano, un poco en gallego y un par de canciones versiones; un poco en castellano, un poco en gallego y una historia que se va tejiendo. Me gusta contar historias con todo tipo de detalles.

- Háblanos de tu banda. 
- Mi banda está formada por Nicolás Vieites, Cibrán Seixo y yo. Nicolás es el guitarrista, Cibrán toca el violín y un bajo pedal, que en realidad es un bajo eléctrico. Es muy curioso verle tocar el violín y dándole al bajo con los pies. 

Normalmente cantas en gallego, pero de un tiempo a esta parte también lo haces en castellano. ¿A qué se debe ese cambio?
- Cuando empecé a pensar mi producción en solitario recordé mis orígenes. Yo nací en Argentina, donde viví mi primera infancia y donde aprendí a cantar. Vivía con mis abuelos que eran emigrantes y con mi madre, quien al igual que yo nació en Buenos Aires. En casa de mis abuelos había muchas reuniones y se cantaba mucho. En el colegio yo era muy cantarina. Entonces, recordando mis orígenes fue cuando pensé que podía hacerle un homenaje a mi tierra de nacimiento componiendo alguna canción en castellano. 

- ¿Tienes recuerdos claros de esa época? 
- Muchos. De hecho saqué el año pasado un EP, que es como un disco cortito y la primera canción es una grabación mía cantando a los tres años. La arreglamos junto con un pianista de jazz que le hizo una armonía y ahí está. 

- ¿Qué te gusta más, cantar en gallego o en castellano? 
- Es muy distinto. Yo vengo de la parte gallega, de la música tradicional; el gallego está muy presente en mi repertorio. Fui durante año y medio cantante de Luar na lubre y ahí, salvo un par de canciones en castellano, solo se cantaba en gallego. Mis orejas estaban muy acostumbradas al gallego y cuando salieron las canciones en castellano, me gustaba más el gallego porque me parecía una cosa más redondita, menos cuadrada, eso no quiere decir que no me guste la música en castellano, hay canciones preciosas como los boleros. Silvio Rodríguez y Pablo Milanés tienen letras en castellano que no me parecen en absoluto rudas, te abrazan, te llevan… y el folclore latino americano me enamora, me encanta. 

- A mí me gusta mucho tu canción Pájaro negro. “Cuanto más quiero verte, más te me escapas otra vez”, dices en una estrofa. ¿Te refieres a alguien en concreto? 
- Claro que me refiero a alguien. Yo tenía una relación a distancia con una persona y no me hacía caso. En estos tiempos con la moda del guasap hay veces que te pones de los nervios. Tú mandas un guasap, ves que lo han leído y pasan las horas y no hay respuesta. Eso me indigna muchísimo. Y con este chico me pasaba eso. Yo enamoradísima de él y él no me contestaba en horas o días. Tenía esa rabia que tan bien se expresa en las rancheras. Entonces pensé: tío te vas a enterar. Y le escribí esa canción.

-  ¿Y se la mandaste? 
- Vaya si se la mandé, es mi actual novio. 

- Al final el pájaro negro picó.
- Salió bien, pero bueno podía haber salido mal. 

- Y, ¿por qué le pusiste Pájaro negro? 
- Era un nombre en clave, para que él no supiera que me estaba refiriendo a él. Pero eso de los guasap sin respuesta es algo que me sigue dando mucho coraje. 

 - “Pajarillo volador no me mereces”. “Pajaro negro, caramba, ¿qué voy a hacer?” 
- (Se rie) “Sí, sí, era con la rabia. A veces lo cuento y la gente no se lo cree, ¿pero cómo va a ser sobre un guasap esta canción? Pues sí, Pájaro negro es sobre un guasap total. 


He leído que además de cantante, eres musicoterapeuta. 
- Sí, aunque ahora mismo no ejerzo. Tuve una temporada que era profesora en una guardería y hacía musicoterapia para niños de 0 a 3 meses y para los de un año y dos hacíamos animación musical. La musicoterapia siempre ha estado presente en mi vida. En Argentina es una disciplina muy importante que corre paralela a la medicina convencional, aquí está tardando muchísimo en asentarse aunque yo de hecho yo hice un master en la Universidad de Medicina de Alcalá de Henares. La musicoterapia ayuda a mantener la concentración, ayuda mucho a los niños a tener una idea de sí mismos distinta, una comunicación diferente con sus padres, para mí es algo muy importante y ojalá acabe de implantarse. 

- A los adultos tampoco nos iría mal un poco de musicoterapia. 
- Ni lo dudes. Tengo una abuela octogenaria larga y juego mucho con ella y con ese vínculo que tenemos musicalmente. A mi abuela ya se le empiezan a olvidar cosas, pero si cantas con ella y le preguntas algo relacionado con la canción, te explica y te cuenta todo lo que ella vivió en torno a esa melodía. Me produce mucha ternura porque es mi abuela, pero al mismo tiempo veo el poder que tiene la música sobre nosotras. Ella no tuvo una formación académica, aprendió a leer y a escribir de casualidad y cuando se fue de Argentina, guardó toda esa memoria emocional musical como un tesoro. Preguntarle ahora por eso la hace feliz. 

- Estuve leyendo cosas en tu página y vi un texto que me llamó la atención: “Nos tempos que corren unha muller a o longo de a sua vida ten que combatir moita inxusticia, pero si é muller y cantante a cousa complícase”. 
- A veces sí, te encasillan un poco en ese perfil de mujer guapa que canta, y dan por supuesto que eres la cantante y la cantante es la que llega tarde, la que no tiene que llevar nada. Te encasillan en ese rol de poca profundidad o poco valor; una guitarra puede valer 8 mil euros o ser de determinada edición, pero la voz no se ve, nadie ve el dinero que yo he invertido en mi voz o los cursos que he hecho. No te puedo enseñar la marca de mi voz. Es fácil pensar que las cantantes tienen menos valor que cualquier otro miembro de la banda. 

- Estamos ninguneadas en todas partes. 
- Pues sí; aunque también se ven cambios positivos y avanzamos, pero es verdad. En un escenario, si la banda no lleva los instrumentos encima, se da por hecho que la mujer es la que canta.

- Tú haces las dos cosas: eres cantante e instrumentista.
- Sí, y quiero hacerlo también porque me parece necesario visibilizar a mujeres que cantan pero que también tocan instrumentos, que no solo tienen una voz. Es necesario cambiar un poco los roles. Yo tengo un proyecto con otros dos chicos, digamos que es mi nombre y otras dos personas. Sin embargo, cuando llega el técnico de la sala habla directamente con los chicos en vez de conmigo. Aunque es mi proyecto, tiene mi nombre, son mis cosas y estas dos personas trabajan conmigo no se dirige a mí. A veces te tienes que poner un poco borde: hola, soy yo la jefa. 

Belém, tú eres cantante, tocas algún instrumento, haces y enseñas musicoterapia, tienes varios proyectos… ¿Cómo te lo montas con tanta cosa? 
- Hoy en día tienes que pluriemplearte porque en el mundo de la música es muy difícil mantener una trayectoria. 

- ¿Funcionas con manager o vas por libre? 
- Empecé sola porque pensaba que tendría fuerza suficiente para hacerlo en solitario, pero luego la experiencia me enseñó que es mejor que otra persona hable por ti porque a veces es más fácil llegar a los objetivos. Yo no sé negociar, no sé ponerle precio a mi valía. Para según que cosas hay una burocracia que me consume. Hace como un par de meses estoy trabajando con una manager que me está ayudando a salir un poco de Galicia, espero que las canciones en castellano me ayuden a ampliar el recorrido.

- ¿Cómo tienes el calendario de apretado? 
- Febrero más o menos bien, marzo poquito pero algo hay, van cayendo cositas. Un poco en Madrid y un poco aquí me permite moverme de Madrid para abajo. El otro día fuimos a Radio Nacional, cantamos en directo y tuvo muy buena acogida, entonces pienso bueno, por qué no. Ponerle ganas e ilusión es lo que alimenta proyectos así.

Puesta en marcha de un Centro Nacional de Difusión de la Danza

Amaya de Miguel y José Guirao El ministro de Cultura y Deporte, José Guirao y, la directora general del Instituto Nacional de las Artes...